黑白肖像是我们开始重新认真思索摄影的起点，因为对于“人如何观看世界”以及“我们为什么拍照”“影像如何创造更多可能”等问题依然感兴趣，很多时候，我们在乎“怎样看”胜过“怎样好看”。不只以画面好看与否去评断，更以直觉感受它想表达的是否能刺激思考，眼球的刺激过后是否还能带来余韵，提供更多的思考与想象空间，或许才是Art系列在意的重点。正如苏珊·桑塔格在其著作《论摄影》中所说：“在正规的摄影肖像语言中，面对照相机意味着庄重、坦率，意味着揭示被摄者的本质特征。”人像图书馆重拾黑白肖像的拍摄，这是对时代技术潮流的反抗，也是对正统摄影术的尊崇。黑白的表现张力充满了爆发性，只依靠黑与白的对比以及人物情绪来表达画面情感，细节更为丰富，因此也更需要精湛的捕捉技术。一张好照片，应该是未完成的逗号，而不是句号，让人能够继续想象下去。
到二〇一九年年底，我们的累计拍摄人数已超过了三千人次。
一家店的审美风格直接反映了一群人的生活方式，比如现在的我特别钟情于“基本款”。这是一个“以貌取人”的时代，“最美证件照”“明星同款写真”“形象大片”等一系列刺激眼球、充满**性的审美导向层出不穷，太多人被华丽的场景、艳丽的妆面和服饰所吸引，以为艳彩炫耀是人性，我并不认为这个世界上有完全的“独立思考”，我们总是被无知觉地带入“众人的狂欢”之中。有人说，在中国最好卖的手机软件就是修图软件，于是，生命当中太多质感就这样失去了，粗糙的质感被摩擦掉，一切都很光滑，一切都可以修图。人像图书馆也曾遇到过客人直截了当地对摄影师说：“像不像我没关系，够美够瘦就好！我只想活在我的美颜相机中。”
没有一个人是和另一个人相同的，每个人都是独一无二的个体，我们追求的就是在这个表情同一、众生疲惫的时代，找到现代人所遗失的那种性灵的表情。每个人的脸都有它的独特性，而这种独特性绵延在每个人生命的各个阶段，去承载当下的那个自我片段。可以告诉观者我是谁，也可以藏起自己，不愿被发觉……这就是人像图书馆有意思的地方，有的人可能在镜头前不够自然、不够放松，但那就是他当下的一个精神面；有的人会紧张、无所适从，这是他的精神撞击到摄影师之后的自我反馈，也是他自己的一部分；他也可能很美，美得自然不做作，他对世界的安全感让他可以在和摄影师的碰撞中打开自己，毫不掩饰；更有不屑与摄影师交流的，只是为自己记录一张某年某月某日的脸而已；如果遇到没有耐心、防备心很强或是习惯同一姿势面对摄影师的对象，想在短时间内突破对方，或许就是献上一张自己捕捉到的好照片。林老师曾遇过不少这样的人，看了他拍的照片之后，双方之间的“墙”立即消失……在人像图书馆，摄影师只是一个观看者而不是指挥者，少说多做，少做多感受，反馈在画面里的是一种朴实客观的表达。所以，每个人都被看作是一本可以一读再读的书，摄影师不是作者，被拍摄者才是。从读者的角度来说，他会在看书的时候和书本产生诸多思想的碰撞，有相见恨晚的赞同，或不予置评的反对，当然也有另一种可能性，那就是从作者的角度，他毫不在乎是否被认同，那就是他想表达的自我，与旁人又有何干？如此这般，由照片编织而成的书，像一座图书馆一样丰盛美好。
人们对于美的定义大不相同，没有所谓的标准和绝对。当我只是个摄影爱好者的时候，我可以随心所欲地只跟着自己的感觉走就够了，但当它成为一份工作甚至是事业的时候，天平的两端孰轻孰重？安迪·沃霍尔的理念“赚钱的商业是最棒的艺术”造就了他的成功，可是一切就只是如此而已？真实和美之间有一场拉锯战，就如同艺术与商业之间的博弈，而找到其中的平衡点或许才是职业摄影师的一大挑战。找到照片与生俱来的“魂魄”，引起心底深处的共鸣，才是摄影师一生的追求。
时光荏苒，一路上的流光曳影，最终都走向初心不变和极致简单。“就是要传播自己坚持的审美！”人像图书馆希望在浮躁与奢华的年代，摒弃千人一面的正襟危坐，追求抱朴归一的本真，真正探寻自然而有张力的影像。不刻意营造岁月，甚至传达“憔悴美”“衰老美”“缺憾美”，因为只有真正度过的，才是值得纪念的岁月。
