魏松饰演的奥赛罗，完全没有呈现这个角色应有的愤怒—其实，他好像什么情感都没有表达出来。只有魏松与杨小勇饰演的雅戈（Iago）对唱的时候—后者正是整部戏剧中唯一一位演员，从头到尾都有一贯的良好表现—歌剧的戏剧性才爆发出来。整体而言，所听到的唱词好像只是从嘴中唱出，而不是从内心激发出来似的。幸好指挥张国勇，没有被台上的演出所拖累。乐团奏出了令人信服的威尔第风格，虽然铜管部分在群众大型庆典这些场面的表现，效果不佳。
这次演出的众多问题，其实有不少外来因素。首演当晚，遇上上海半个世纪以来最有破坏性的暴风雪，令整个城市都瘫痪了，一切减慢一半。迟来的观众，一直到第一幕末，还在陆续进场。对恶劣天气的影响，我们当然可以谅解；但是整套歌剧制作还是需要接受一针强烈的激素，才可能在今年夏天芬兰的萨翁林纳（Savonlinna）歌剧节与瑞典的达尔哈拉（Dalhalla）歌剧节巡演中有出色表现。
香港中乐团添上非洲色彩
当面对是编排一些受广大观众欢迎的通俗节目，还是一些更有内涵的严肃音乐的时候，香港中乐团往往都会选择后者。虽然也真的很难避免一丁点通俗音乐的成分，但是这支乐团一直以来，都专注好些严肃作曲家，目标是让新音乐更有艺术意义，而不是为了考虑老套的政治因素。与香港中乐团比较一下，内地的民乐团还是不太自在，目前还是继续扮演它们作为宣传工具与民乐轻音乐团的角色。香港中乐团却像一个混合不同国家菜式的盛宴—重新评估一些悠久传统的菜肴，而新鲜的材料却最为重要。
香港中乐团的厨房，的确忙碌得很。在过去30年，乐团委约了差不多1700首新作品与编曲—就算近5年来，乐团也推出了200首曲目的首演。虽然这个数目令人目瞪口呆，但是看了上周三的演出之后，我们不再吃惊，因为当晚就已经包括三部作品的世界首演。当晚的曲目，更有特别国际性的层面：《祖鲁族人看日出》（ZuluGazingattheRisingSun）的作曲家是南非出生的邦加尼·杜丹纳比里恩（BonganiNdodana-Breen），他该是首位为中国民乐团谱写音乐的非洲作曲家吧。
《祖鲁族人看日出》是一张异乎寻常的图画明信片，虽然不太清楚作品所描述的景色在哪一个国家。作品包含了相当独特的器乐色彩，而节奏基础—作曲家利用非洲鼓圈（Africandrumcircle）原理，但套上中国打击乐器—却令人疑惑，甚至令人分心，因为效果过于“酷”，而不算炽烈。我不能寻根问底去辨别，作品真的应否这样铺排，还是演出欠缺效果？这部作品却成功地“运用中国乐器引进非洲民歌”（引用作曲家的原意）。可是，过了一段时间，旋律好像失去方向，正如作品的架构故意避开任何曲式或和声发展。作曲家这种手法，是故意排斥任何国家的单一文化。
《潇湘风情》是北京作曲家杨青1999年的作品。他把出生地湖南的民歌旋律加以处理，观众好像一只耳朵听着巴托克一般。作品的段落往往是由独奏乐器与整个乐团的对答组成；杨青充分把握到乐器独有的微妙音色，配器效果超卓。
西安出生、现居比利时的张豪夫作品《长江交响》的世界首演，与《潇湘风情》产生很大的对比。《长江交响》结合秦腔的巧妙气氛，处理手法有斯特拉文斯基《春之祭》的韵味。第一乐章气势浩瀚，节奏层次复杂；到了第二乐章，旋律展现的线条十分优美。
《龙灯》是香港出生的邓乐妍的作品，也是音乐会的开场曲。作品的配乐是九个唢呐与民乐团。在台上，有香港中乐团首席唢呐郭雅志，而音乐厅的四角各有两位唢呐手。虽然邓乐妍描述这部作品像一条龙的身体，可是这种立体声的编排，令人想起唢呐从前参与乡村多种红白喜事的原野特质。
