勃拉姆斯几首曲子，阿达的演绎都明显偏快。《衷心的渴望》是勃拉姆斯临终前的作品，与他的《四首庄严歌曲》带有相同的气质，悠悠的三连音不停息地贯穿全曲。阿达的速度使得此曲少了冥想与哲思，倒是多了些许对于人生无常和无奈的感叹，最后的尾声部分成为一声叹息……
李斯特所作的《“B-A-C-H”主题前奏曲与赋格》（在德国音体系中“H”即为降B，而第一个B是原位B，构成级进的半音动机），是在表达对巴赫的崇敬和礼赞。这一动机是巴赫在他的遗作《赋格的艺术》最后一曲中丹青停笔之处，应该填补上的音符（按照对位法和赋格的通常作法）。说到这，不得不提一笔：长久以来，这四个音都被当作是巴赫用自己的名字代表的音符来总结一生创作的绝笔，因此后世包括李斯特在内的众多作曲家都将其当作天启或谶语般的符号加以引用。但事实上恰恰相反，巴赫一生都在极力避免用名字（与此相反的是舒曼与埃尔加）——特别是他自己的名字作为音符素材，在《赋格的艺术》最后，似乎冥冥中他必须要填上那个象征他名字的“B-A-C-H”音符的时候，不论是出于谦虚，还是迷信，他拒绝把自己的名字填入，直到离开人世，不惜让最后的作品悬而未决……
当然，今天看来，李斯特的这部作品（尚有钢琴版）仍然是独一无二的佳作。阿达的处理突出了色彩与和声性因素，他像一个音色魔术师一样，出色的音栓运用和行云流水般的娴熟切换令人叹为观止。此外，国家大剧院的这架优异的KLAIS管风琴具有音色编组和联动组合功能，进一步解放了演奏者的双手，极大地方便了现代管风琴师营造色彩的创意。当然，突出色彩性和混响效果的处理无疑削弱了作品中固有的清晰的复调线条，这无疑是阿达个人化的风格倾向，这首作品的演绎也是阿达鲜明个人特征的最集中体现，他的音乐有着鲜明的法国管风琴学派的色彩，也不时展现出老一代德国管风琴大师的风骨。赋格部分的自由速度突破常规，甚至令人瞠目结舌，动态的把握带有卡尔·李赫特的气质（阿达只比他小三岁），却走得更远。声潮澎湃中，老人已经与琴、音色、声响……融为一体了。
阿达的祖上系由希腊迁入瑞士的，所以他的家族具有深深的希腊情结，阿达也特别挑选了两首希腊作曲家阿兰（JohanAlain）的作品。特别是《连祷歌》，怪异的舞蹈节拍（五拍子的主体）、粗犷的气息、反复贯穿的动机音型……发展为狂热的欢宴，是古希腊风最为直白的体现（甚至让你觉得不是雅典或克里特式的，而是迈锡尼！），糅合了现代的音调和处理手法，在尾声部分激发为白热化的声浪。
在管风琴正下方座位的听众，许多人好奇地仰着脖子聆听，感受巨大的声能自上而下涌来，就这样被巨大的音管激**了一个晚上，结束后翻着白眼晕头转向，却显得莫名的激动和满足。
你永远无法将台上那个步履蹒跚的老人与那化入云霄的辉煌壮丽的音响联系起来。结束后，阿达首先向管风琴致敬，并提请听众将掌声送给台上这架巨大的乐器，这是大师般的虚怀若谷，以及对于能够展现他所有激动人心的演绎和创意的伟大管风琴的由衷的赞叹。这是技术与艺术的双重奇迹。
阿达的演奏，时有毫无缘由的突然加速，虽然也是一种个人风格，但总给人草率的感觉。其实，总的来说，阿达的处理带有许多明显的老一代管风琴大师的特征。比如，即兴性非常强。自由速度缺乏张力和势能，很难出彩（当然也是个人的美学理解和风格）。他的装饰音处理也较为保守，不太讲究——所谓保守，即没有充分做足巴洛克式的装饰音。另外，他的年龄也是制约创意自由表达的障碍之一，毕竟80岁高龄了，反应速度上总是受一些影响（偶尔明显能听出来手指下几个音是混过去的）。
数次脚踏键盘错误，虽然低音（决定整个音响的和声性质）误碰确实令耳朵很难受，但需要说明的是：每一台管风琴各有不同的复杂控制台（手键盘、脚踏键盘、音栓），对每一个陌生的演奏者都是一个严峻的考验，特别是音栓的位置和用法，每一台管风琴都完全不同，可谓千变万化。当一个管风琴家面临一台新的管风琴时，他需要漫长的时间去熟悉所有这些音栓——对于各种组合音色的探索，甚至耗费其一生的时间尚难穷尽。对于只有短短几天排练时间的阿达来说，依然能够有条不紊、步步为营、信手拈来，而且80岁高龄了，全场下来，只有几个脚踏错音……若非神功，已然不会这般游刃有余。
阿达是一位非常全面而多变的诠释家，各个时期和风格的作品都能够完全胜任。作为他的个人特征，阿达善于在作品中倾注他的宗教热情、沉思和感悟。他的出色的即兴演奏，以及不可思议的、令人眼花缭乱的音色变换，都使他稳步跻身于他所处时代的管风琴大师的前列。
