奢侈品、宗教和艺术互有关联。三者的目的都是让人们超脱功能性而获取无形价值。
——米丽亚姆·瓦拉迪 时尚观察家
有公司近来想买“我的气质”。
——安迪·沃霍尔（AndyWarhol） 艺术家
在传统变得越来越不重要的时尚界，除了网红和Instagram之外，还有什么方法可以创造出一个既能引起传统客户的共鸣，又能与千禧一代默契呼应的品牌故事呢？一个途径是艺术化，实现时尚公司与艺术、艺术家合作。
在奢侈品时尚界，艺术化合作的方式不一而足。LV品牌与艺术界的关系源远流长，探索过多种跨界合作方式。路威酩轩集团在巴黎香榭丽舍大街的旗舰店里有一个艺术画廊。“路易·威登Espace文化艺术空间”的首批展品中有一批黑人和白人女性的巨幅照片，排列起来组成了路易·威登标志中的“LV”两个字母。另一个展品是一段视频，其中女性在店内货架上摆各式姿势扮作手袋。这些展品的理念是“用艺术为路易·威登的设计焕发新的生机，并建立路易·威登品牌与艺术之间的联系”。巴黎还有一家私人资助的博物馆，即路易·威登基金会，展出路威酩轩集团的艺术藏品。
20世纪60年代中期，设计师、艺术收藏家伊夫·圣·罗兰将立体派画家彼埃·蒙德里安的艺术融入他设计的“蒙德里安裙”中。伊夫和他的生活伴侣、商业伙伴皮埃尔·贝杰（PierreBergé）都很喜欢蒙德里安作品的色彩和构图。伊夫设计的这条直筒连衣裙由白色的线条、白色的条块和三原色区块组成。它是基于蒙德里安的《构成C（第3号），红黄蓝》（1935）而设计的。
这条裙子登上了VOGUE法国版杂志1966年9月的封面。圣罗兰的蒙德里安裙的真品后来被收入到许多博物馆，包括阿姆斯特丹国立博物馆、伦敦的维多利亚与艾尔伯特博物馆以及纽约的大都会艺术博物馆。
有时候时尚和艺术之间的关系更加微妙。随着西方社会中人们对服装满意度的目标从拥有变为体验，奢侈品时尚供应商希望让产品的定位更接近艺术，因为艺术代表了品位和文化。当一位艺术爱好者花25000美元买一幅画时，这就是收藏，人们会觉得这是对艺术的支持。而当一位女性花25000美元买一个时装包时，人们或许会认为此举轻率，或者是炫耀性消费。将奢侈品艺术化就是试图扭转这种认知，让顾客将奢侈品视为一种艺术形式，从而改变品牌的象征意义和地位。路易·威登和杰夫·昆斯的艺术合作，让大师系列手袋和LV品牌更接近艺术品，供人收藏。
巴黎高等商学院的品牌专家让-诺埃尔·卡普费雷（Jean-No?lKapferer）是第一位研究时尚行业艺术化的专家。卡普费雷认为，艺术化为高定价提供了正当理由，它弱化了奢侈品时尚是炫耀性消费的认知，且没有损害排他性的光环。他将这一概念仅应用于奢侈品品牌，而非高端品牌。这并不能解释为什么许多非奢侈品品牌会接受某种形式的艺术化，当然，模仿奢侈品品牌可能是一个原因。
2007 年，路易·威登和日本潮流艺术家村上隆成功合作。洛杉矶当代艺术博物馆（MOCA）在村上隆艺术展的展区中心开设了一家路易·威登弹出式商店，作为对高额展览费用的回报，这在美国大型艺术博物馆历史中是前所未有的。这家商店出售上千美元的村上隆图案的手袋，以及其他专为该展览设计的，且与艺术家相关的衍生产品。
同年，香奈儿斥巨资开展了一项推广活动，旨在强化品牌创始人可可·香奈儿和艺术之间的关系。他们委托建筑师达姆·扎哈·哈迪德（DameZahaHadid）设计了一个飞碟形状的展示结构，一座大小近700平方米、重180吨的建筑，名为香奈儿移动艺术馆。该建筑设计的结构可拆卸，所以可转移到其他城市。时任香奈儿创意总监的卡尔·拉格斐策划了室内设计。
